La Bienal de arte de Venecia de 2019 se estrena con un buen número de críticas, como casi todos los años. En esta ocasión el origen del conflicto viene dado por un título igual de poético que ambigüo. “May you live interesting times” puede abarcar tantas posibilidades que, entre ellas, llega a diluirse el denominador común. Lo que Ralph Rugoff, su director, pretende ofrecer, sin embargo, es un lugar de reflexión mediante el arte. Un lugar en el que exponer estéticamente los problemas del ser humano aun a sabiendas de que, una vez salga el visitante del pabellón, no resuelva ninguno de los cometidos planteados.
La Bienal de arte de Venecia 2019, sin embargo, también se caracteriza por una gran presencia de lo virtual, suceso que advierte una nivelación de los diversos lenguajes artísticos: pinturas, esculturas y fotografías comparten espacio con artesanías, hologramas y demás formas. Desde RoomDiseño os desvelamos las diez piezas que no os podéis perder.
1. 48 War Movies de Christian Marclay
Si alguien puede hacer un collage con la tecnología, ese es Christian Marclay. Músico, pero también artista, este suizo domina la apropiación, el montaje, y la improvisación. El que no lo reconozca por su nombre sí lo hará por su obra, comoThe clock, pieza audiovisual de 24 horas de duración que le permitió hacerse con el León de Oro en la Biennale de 2010. Para esta ocasión, un audiovisual recoge cuarenta y ocho películas de temática bélica en una misma pantalla. Una alternativa de narración que se sirve de la multiproyección para aturdir los sentidos. Un caleidoscopio compuesto de trozos de guerras.
2. Microworld de Liu Wei
Liu Wei se describe a sí mismo como “puro”; y desde luego, lo es. Sus intenciones son claras: hacer de cada trabajo algo singular y distinguido de los demás, únicamente delimitado por su propia mente y creación. “El Arte va de crear algo diferente de lo que ya ha sido creado, de generar algo nuevo. Cada artista es un pensador”. En Microworld, su pieza en Venecia, lo ha conseguido. Un cristal frena al espectador y le obliga a observar desde la distancia, lo que altera la percepción de la dimensión y escala del compendio de formas geométricas. ¿El verdadero protagonista? El poder de la contemplación.
3. We only get the love we think we deserve de Neil Beloufa
Dos intenciones definen el trabajo de Neil Beloufa: teatralizar situaciones y alejarse del cubo blanco. Siendo bien discreto en la transmisión del mensaje, abarca mediante múltiples técnicas la realidad, así como su representación. En Only get the love we think we deserve se da un encuentro digital. La instalación está formada por un conjunto de dispositivos de entrenamiento similares a los que tiene un gimnasio: asientos incómodos en los que uno no puede hacer otra cosa que mantenerse erguido. En su horizonte, jóvenes soldados hablan a través de la pantalla sobre su vida dentro y fuera del ejército, es el Acuerdo Global. Diálogos íntimos, recuerdos, convicciones personales. Una sencilla alegoría a las redes sociales.
4-The white Album de Arthur Jafa
Arthur Jafa ha sido premida con el Golden lion al mejor participante de la Biennale. Quizá tenga que ver que su posicionamiento sea el más conciso y estricto de toda la colección: “de la misma manera que estoy por la abolición del patriarcado, la homofobia o la heteronormatividad, estoy por la abolición de la blancura sistemática”. Quiere hacer cine negro con poder, belleza y música negra, y para ello se sirve del cine blanco, del contraste, de lo antagónico. The white álbum elige la blancura como artista estrella, presentando media hora de collage audiovisual compuesto por videos músicales, clips virales, fragmentos de documentales y otras grabaciones varias, en las que el hombre blanco se presenta como un sujeto salvaje, dueño de la raza y el poder.
5. L’Ange du foyer de Cyprien Gaillard
L’ange du foyer es el triunfo del surrealismo de Max Ernst. Lo pintó en 1937 y hoy se presenta actualizado bajo la forma de un holograma. La criatura mueve los brazos, camina, e incluso, gira sobre sí misma. Una crítica directa a la idea del progreso del arte, ese es el trabajo de Gaillard.
Un intento de yuxtaponer formaciones anacrónicas, de combinar presente y pasado para reconstruir; para hacer que lo histórico no caiga en manos de la decadencia.
6. Spectra III de Ryoji Ikeda
No hay nada más limpio que la luz blanca y no hay nada más ordenado que un patrón definido. Colores planos, escenario controlado, Ryoji Ikeda.Spectra es una serie de instalaciones que emplean la luz como material escultórico. En espacios cerrados o al aire libre, el espectador es receptor de toda la información de color en sus ojos, tan intensamente que apenas pueden percibir otra cosa que la nada. La instalación, por consiguiente, se vuelve casi invisibe. Spectra III es el punto de intersección de arquitectura y luz, de excitación de los sentidos. Un pasillo preparado para que el visitante lo atraviese.
7. Maintainers de Nairi Baghramian
En Nairi Baghramian las formas orgánicas se apropian del espacio. La artista revisita el pasado minimal y surrealista con sus piezas escultóricas para acercarlas al campo de la decoración. Abre con ello una fina línea de deliberación entre la industria y la artesanía o la funcionalidad y el ornamento. Maintainers, en concreto, consta de tres elementos independientes que toman una presentación u otra dependiendo del espacio de exposición. Son moldes de aluminio, formas de cera de colores, que lacados potencian su forma abstracta. Una poesía visual que alienta a la calma, a lo natural y a lo sensible.
8. Muro Ciudad Juarez de Teresa Margolles
Allá donde exponga Teresa Margolles es fácil de reconocerla. Su temática controvertida sitúa al arte contemporáneo en el contexto social de México. Violencia, desigualdad social, narcotráfico y muerte son algunas de las materias estrella en sus piezas. Todo ello con un propósito: plantear un debate público, conversar abiertamente sobre la subsistencia del habitante mexicano dentro de su sociedad. Muro Ciudad Juarez habla por sí solo: ese muro es el muro que quiere construir el Gobierno de Estados Unidos en su frontera con México. Mención especial del jurado.
9. Sun and sea (Marina) por Lina Lapelyte, Vaiva Grainyte y Rugile Barzdziukaite.Pabellón de Lithuania.
La transformación del histórico edificio del Arsenale en playa, ha sido merecedora del León de Oro a la mejor participación nacional. Unos bañistas tomaban el sol sobre la arena mientras el jurado, presidido por Stephanie Rosenthal, felicitaba a las artistas por el enfoque experiemental de su performance, así como por la originalidad en la utilización del espacio expositivo. Una obra que habla del disfrute del tiempo libre y que ya es conocida por la denominación de “brechtiana”. Máximo galardón de la Bienal.
10. 3x3x6.Taiwan in venice de Shu lea Cheang
Como fruto de una amistad en París, surgió la colaboración entre Shue Lea Cheang y el curator Paul B. Preciado: ambos guardaban -y guardan- relación con el activismo y el arte, así como con la comunidad Trans y Queer de la ciudad francesa. La instalación 3x3x6 es una pieza de lo más inmersiva. Utilizando como punto de partida el propio lugar de exposición -el Palazzo delle Prigioni-, el artista saca a relucir casos de personalidades célebres encarceladas por su género o disidencia sexual. Diez monitores muestran diez cortometrajes en los que se tratan por individual cada uno de los casos de encarcelamiento seleccionados. Un paralelismo que se refiere a las pantallas y monitores como las celdas que nos confinan actualmente.
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